Hugh Laurie: su romance con el público argentino

Por Humberto Acciarressi

Antes de hacerse internacionalmente famoso como el doctor Gregory House, el cínico, simpático y extravagante médico del hospital Princenton-Plainsboro que hasta inspiró libros de ensayos con su filosofía de "Todos mienten",. Hugh Laurie ya era un actor bastante conocido en el Reino Unido (entre otras películas trabajó en "Peter´s Friends" y en "Sense and Sensibility" con Emma Thompson, en tiempos en los que mantuvieron un romance). También se ganaba unos pesos extras versionando temas en tono de broma. Los interpretaba en los pubs londinenses, indistintamente con su guitarra, una armónica, un piano o una batería. En You Tube pueden encontrarse varias de estas presentaciones, algunas de ellas verdaderas perlitas del, entonces, futuro Dr. House. Sólo para refrescar el dato, hay que tener presente que además escribía ficción, entre ellas su novela "El vendedor de armas", editada por Planeta.

En una nota publicada en La Razón hace unos años, decíamos que Laurie no sólo era multifacético y talentoso, sino que además contaba con algo que no todos tienen: mucha suerte. Siempre ha estado dónde tuvo que estar en el momento justo. Cuando la serie iba por su octava exitosa temporada, el actor resolvió que ya era suficiente. La web se multiplicó en pedidos y ruegos para que siguiera. Pero Laurie había decidido dedicarse de lleno a su pasión jamás secundaria, aunque sí postergada por la fama inesperada del médico adicto al Vicodin: la música. Aunque ya formaba parte de la "Band from TV" (integrada por actores de series televisivas, entre ellos Jesse Spencer, es decir el doctor Chase de House M.D, que daban conciertos a beneficio), en 2011 lanzó su primer disco solista, "Let Them Talk", con quince blues tradicionales, más otros tres en la edición especial. Fue un éxito y una sorpresa. Los argentinos recordamos sus shows en el Luna Park para presentar la placa debut.

Con el entusiasmo que lo caracteriza, los millones de copias vendidas y las giras, se tradujeron en más trabajo, grabaciones de documentales sobre el jazz de New Orleands, y la edición de su segundo álbum, "Didn´t It Rain", para el que Laurie invitó a otros cantantes (como Gaby Moreno o Jean McClain), a Taj Mahal y donde también se luce la Copper Bottom Band. Ese disco devino en nuevas giras y así, dentro de unos días, aterrizará otra vez en Buenos Aires. En principio se había programado un Gran Rex para el 15 de marzo. Ahora, los organizadores anuncian que se sumó una fecha para el 16. Hace tres años, Laurie -que había comenzado un romance como actor con los espectadores argentinos- se metió al público local en el bolsillo con su piano y su guitarra. Todavía lo recordamos muy conmovido y sorprendido por eso. Ahora hay una nueva oportunidad de renovar los votos de mutuo reconocimiento. Incluso, para más datos, con un Laurie más desenvuelto que en aquellos primeros tiempos de recitales masivos.

(Publicado en el diario La Razón, de Buenos Aires)

Poner su música, el homenaje a Paco de Lucía

Por Humberto Acciarressi

Manuel Serrapí Sánchez, conocido como El Niño Ricardo, y Sabicas, nacido como Agustín Castellón Campos, le dieron las armas para transformar la guitarra flamenca en un instrumento al servicio de la poesía más pura. El, por su lado, con su vigor y su ritmo, llevó la música de los gitanos a todo el planeta, y quizás haya sido quien más ayudó a convertirla en un estandarte de la cultura de raigambre española. Pero además, Paco de Lucía - que acaba de morir mientras jugaba al fútbol con su hijo, con lo cual provoca un luto inconmensurable en el ámbito de la música- no se limitó a trabajar dentro de las fronteras del flamenco. Muy por el contrario, fue mucho más allá, internándose en el universo del jazz, de otros géneros populares, y de la llamada música académica (de Albéniz a Falla, pasando por Joaquín Rodrigo y otras decenas de compositores).

Siempre discreto, con una humildad a prueba de medios masivos y de programas estridentes, Francisco Sánchez Gómez fue un apasionado de la guitarra desde su infancia en Cádiz, más concretamente en la andaluza Algeciras, que fue donde, con apenas doce años, comenzó a subirse a los "tablaos" del flamenco para ser estrepitosamente aplaudido. Alguna vez circuló el chimento que su padre, para hacerlo ensayar muchas horas por día, lo ataba a la pata de la cama. El propio Paco de Lucía se encargó de desmentir esa barbaridad, aunque reconoció que se sacaba callos y sangre de los dedos con largas tiradas de prácticas diarias. "Los gitanos son mejores porque escuchan la música desde que nacen. Si no hubiese nacido en la casa de mi padre, yo no sería nadie", aclaró aún más en un libro de memorias.

Tomatito, al enterarse de la muerte del propulsor internacional del flamenco, twitteó "Hoy no hay palabras...". Quizá sea quien mejor resumió el sentir de sus colegas, con quienes nunca tuvo un problema. Y esto tiene más mérito si tenemos en cuenta que Paco de Lucía grabó por lo menos 34 muy variados discos (incluyendo la "Antología" de tres volúmenes), además de unos trece álbumes en los que compartió su música con artistas de la talla de Chick Corea, Al Di Meola, John McLaughlin, Djavan, Juan Manuel Cañizares, Enrique de Melchor, Bryan Adams, por mencionar apenas algunos y un poco al voleo. Y eso sin contar sus encuentros mágicos con el gran Camarón de la Isla, columna vertebral del Cante Jondo, con quien grabó no menos de diez discos.

Hace unos pocos meses, Paco de Lucía decía en un reportaje que "la línea musical es muy delgada entre la técnica y el corazón". Y agregaba que "estudiar exhaustivamente armonía, intelectualizar la música no es recomendable", mientras sugería que hay que conocerla, "pero también tener en cuenta el matiz, estar con el instrumento, disfrutarlo y desafiarse uno mismo". Mencionar los múltiples premios que obtuvo, incluyendo el Príncipe de Asturias a las Artes, es apenas un dato. Ahora, su muerte deja un vacío tremendo en el mundo de la música en general y del flamenco en particular. Escuchar y seguir emocionándose con su obra, es sin dudas el mejor homenaje que se le puede hacer. Como a cualquier artista mayúsculo.

(Publicado en el diario La Razón, de Buenos Aires)

George Harrison, en recuerdo de su obra

Por Humberto Acciarressi

A George Harrison, de cuyo nacimiento en Liverpool se cumple un aniversario, le ocurrió algo similar a Ringo Starr: tuvo la "mala suerte" -obviamente es una licencia llevada al extremo- de tocar y hacer sus propias canciones, junto al más grande dúo de compositores de música popular que tuvo el siglo XX: John Lennon y Paul McCartney. Se dirá, con razón, que con los Beatles pudo grabar algunos temas como"Something", "Here Come The Sun" o "While My Guitar Gently Weeps". Pero no es menos cierto que el propio Lennon, en la última entrevista que concedió antes de ser asesinado, se mostró molesto con George y lo expresó con una frase muy dura. Hablando de la autobiografía de Harrison, John dice -más o menos- que "en ella nombra hasta el último pelagato que conoció", y se queja que no haya menciones a él. Y acota: "Gracias a mí siempre pudo grabar alguno de sus temas en el Lado B de nuestros discos".

Esa opinión de John, compartida entonces por Paul como resulta obvio, no impidió que tanto él como Ringo fueran beatles de la más pura estirpe. Pero sus influencias repercutieron hacia dentro -con sus acercamientos al Hare Krishna y con la música oriental que le aportó al grupo, incluso mucho más alla del uso de la sítara-, y en el sonido magistral de su guitarra, pocas veces tan característico (Brian May, de Queen, es otro de sonido inconfundible). Agreguemos, de paso, que la batería de Ringo -aparentemente secundaria- es una de las más brillantes del pop y del rock, y ese sonido "a tren" tan especial es único (escuchar "Strawberry Fields Forever" para entender el concepto). Ambos, más John y Paul, fueron cuatro artistas tocados por la varita mágica, esa que las musas utilizan sólo de cuando en cuando.

Cuando llegó la ruptura en 1970, Paul y Lennon siguieron con sus proyectos individuales. Estos son muy conocidos, aunque en el caso de John con un paréntesis de cinco años que se tomó para alejarse de todo hacia 1975, y que recién retomó para editar "Doble fantasía" y enfrentarse a las balas de Mark Chapman. McCartney prosiguió con canciones archivadas y nuevas, aunque dado al demasiado afecto al viejo público, sin poder desprenderse de su pasado beatle, algo que John hizo al día siguiente de la lamentada separación. En ese marco, Ringo fue de proyecto en proyecto, unos buenos y otros no tanto, pero George sí se dedicó con entusiasmo a componer todo lo que antes no había podido, y a grabar grandes sesiones con músicos como Ravi Shankar, Bob Dylan, Eric Clapton (quien le "robó" la esposa, Pattie Boyd, a quien George había conocido en la filmación de "Anochecer de un día agitado"), Billi Preston, Klaus Voormann, el propio Ringo, etc. Luego del adiós a los Beatles publicó su álbum "All Things Must Pass", el primer LP triple de la historia, que alcanzó seis discos de platino y numerosos primeros puestos en los charts.

Hay que destacar, además, que George Harrison fue el primer músico en organizar un recital benéfico, en su caso a escala planetaria, que se tradujo en el disco triple "Concierto para Bangladesh". Siguieron años de altibajos -especialmente con la aparición del punk-, pero luego volvió al ruedo. Siguió editando, a veces en forma casi secreta, como si fuera un espía, ya que el crimen de John le dejó un irrefrenable miedo de morir de igual manera. De hecho, fue atacado años más tarde con una navaja en su propia mansión, por un demente que dijo estar poseído por el propio George. Hizo giras con Clapton -a pesar de las desavenencias por Pattie-, y se reunió con Paul y Ringo para trabajar en la monumental "Anthology". Todo paralelo, claro, a la publicación de sus propios discos.

A mediados de los años 90 le apareció un cáncer en la boca y más tarde en un pulmón. Lo operaron varias veces. La enfermedad reapareció en el 2001 y cuando se enteró que era terminal resolvió seguir grabando y trabajando en proyectos futuros. Su panteísmo lo ayudo bastante a sobrellevar los últimos momentos, sobre todo cuando la enfermedad hizo metástasis en el cerebro y le dieron apenas unos días. Falleció el 29 de noviembre de ese año, mientras se alojaba en una mansión de Paul en Los Angeles. Dicen que sus cenizas fueron arrojadas al Ganges, pero esto nunca fue confirmado por su familia. La vida del más joven de los Beatles había comenzado el 25 de febrero de 1943. Es decir que, de vivir, ahora estaría cumpliendo 71 años.

(Publicado en el diario La Razón, de Buenos Aires)

La muerte de la última cantante de los von Trapp

JULIE ANDREWS, CHRISTOPHER PLUMMER
Y SUS HIJOS EN LA PELICULA.

Por Humberto Acciarressi

En 1965, veinte años después de la rendición alemana en la Segunda Guerra Mundial, fue estrenada en cine "La novicia rebelde", dirigida por el multifacético Robert Wise, que llegaba de ganar 8 premios Oscar por "West Side Story" (conocida como "Amor sin barreras"). Era, por cierto, un mojón difícil de igualar y lo fue por mucho tiempo. Pero apenas cuando cuatro años más tarde dirigió "The Sound of Music" (verdadero nombre de "La novicia rebelde"), con las memorables actuaciones de Julie Andrews y Christopher Plummer (ambos en el papel del matriimonio von Trapp), Wise se levantó cinco estatuillas más. Lo que no muchos saben es que previamente, en Alemania, una década antes, se había filmado una película titulada "Die Trapp-Familie". Este film, más la novela autobiográfica "La historia de los cantantes de la familia Trapp", escrita por la misma María von Trapp, fueron los antecedentes de un musical de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II, en el que se basó la exitosa película de Robert Wise.

En realidad, fue gracias a Julie Andrews que fue conocida internacionalmente la historia de esta familia encabezada por el entusiasmo de su personaje, María Augusta von Trapp. La verdadera mujer fue quien junto a Georg Ludwig Ritter von Trapp y sus hijos Rosmarie, Eleanore y Johannnes, más los siete que ya tenía el marido, que era viudo cuando se casó con ella, vivieron una de las más dramáticas historias de una huída del totalitarismo nazi. Tanto Georg como los descendientes de su primer matrimonio formaban un exitoso grupo de cantantes líricos y populares. Ellos, junto a su madrastra y los tres hermanastros, huyeron del nazismo a través e los Alpes cuando se produjo el Anschluss, es decir el trágico momento en que la Alemania de Hitler anexó Austria a su territorio. Conocidos como Trapp Family Choir, triunfaron en Estados Unidos y Canadá, aunque con el nombre americanizado de The Trapp Family Singers.

Quien no alcanzó a ver casi todo esto fue el marido, que murió de cáncer de pulmón en mayo de 1947. Ella lo sobrevivió cuatro décadas. También habían fallecido Hedwing (1917-1972) y Martina (1921-1951). Cuando la matriarca María Augusta dejó este mundo en 1987, radicada en Vermont, Estados Unidos, aún vivían Johannes, Eleonore y Rosmarie, sus hijastros Rupert (1911-1992), Werner (1915-2007), Agathe (1913-2010), Johanna (1919-1994) y María Franzisca. Esta, nacida en 1914, es quien acaba de morir a los casi cien años en los Estados Unidos. Del grupo original de música ya no queda ninguno. Los sobreviven los tres hijos que María Augusta tuvo con Georg von Trapp, y que eran pequeños en el momento de la huída. Uno de ellos, Johannes, fue quien informó la muerte de su hermana.

(Publicado en el diario La Razón, de Buenos Aires)

Venta de cigarrillos en un hospital, en 1950

Angelina Jolie en la década de 1990

The Beatles en Liverpool y antes de Ringo, 1961

Trepanación de cráneo en la "Anatomía de Guy de Pavia", 1345

Sports Illustrated 50th Anniversary

La revista Sports Illustrated cumple 50 años y lanzó un número especial para conmemorar la fecha, que coincide con la edición de trajes de baño que la revista semanal de deportes publica anualmente. Además, es la primera vez en la historia que tres chicas aparecen en su tapa. Las elegidas son la danesa Nina Agdal y las estadounidenses Lily Adridge y Chrissy Teigen, quienes posan en topless y bikini, con los pies bañados en aguas turquesas. Así, las modelos se unen a la larga lista de estrellas seleccionadas por la famosa revista, como Heidi Klum, Tyra Bancks o Christie Brinkley. Esta es la quinta aparición de Chrissy en Sports Illustrated, lo que la convierte en una de las más populares de la publicación. Nina no se queda atrás: con sólo 21 años ya tiene dos presencias en la revista. La primera, el año pasado, despertó tanto furor que la hizo merecedora del título "Rookie of the year".

Hallan auto robado hace 40 años y buscan al dueño

La policía de Tennessee, Estados Unidos, halló un auto VW modelo 1965 robado hace 40 años, aunque ahora tuvo que encarar una nueva búsqueda: la del dueño. El vehículo fue recuperado en enero pasado, cuando iba a ser enviado a Canadá y desde allí a Finlandia para su restauración. La única diferencia en estas cuatro décadas es que ahora luce pintado de blanco, cuando en el momento del robo era rojo. Un portavoz precisó que el propietario, llamado Joseph McDonald, denunció el robo del VW en 1974 y que el número telefónico que dejó ante las autoridades ya no funciona. Se cree que McDonald pudo haber sido un estudiante universitario de Knoxville por aquella época.

Metheny, Mehldau y Guiliana, dos CDs a puro jazz

Por Humberto Acciarressi

Acaban de editarse dos discos, "Kin ( )" de Pat Metheny Unity Group (que el Jimi Hendrix del jazz llama "la versión en technicolor" de su anterior formación) y "Mehliana: Taming The Dragon" de Brad Mehldau y Mark Guiliana, con los que los amantes del jazz tendrán para disfrutar y soñar largo rato. Son dos magníficas piezas que, cada una con su estilo, dan cuenta de las bellas sonoridades que logran los verdaderos talentos. De Metheny, el violero más descollante e influyente de los últimos tiempos, no se puede esperar sino maravillas en materia de esa conjunción apasionante de lirismo y energía. Y en esta obra en particular, son muy interesantes los contrapuntos que su viola realiza con el saxo de Chris Potter, ambos muy bien secundados por Ben Williams (bajo y contrabajo), Antonio Sánchez (batería) y la colaboración extra de Giulio Carmassi (teclados, trompeta, trombón y voz).

Por otro lado, el pianista Brad Mehldau (que por primera vez graba con piano eléctrico y sintetizadores) y el batero Mark Guiliana unieron sus talentos y sus apellidos para formar "Mehliana: Taming the Dragon". Ambos jazzeros ya tocaron juntos en varias oportunidades, e incluso durante 2013 realizaron una gira en la que anticiparon temas de esta placa, seis de los cuales fueron compuestos por Mehldau y la otra media docena por ambos. Aunque es el álbum debut de los dos conjuntamente, ellos tienen unos antecedentes que se las traen. Guiliana, de acuerdo a Modern Drummer, se encuentra a "la vanguardia de un nuevo estilo emocionante de tocar la batería". Este nativo de Nueva Jersey tiene el reconocimiento internacional, sea por sus condiciones de líder de grupos como de acompañante. Tiene dos discos como frontman, "Beat Music" y "Locked in a Basement", y varios con Avishai Cohen, con Dhafer Youssef Quartet, con Aaron Dugan, con Lionel Loueke, entre otros.

De Brad Mehldau, un verdadero genio del piano, son pocas las cosas que se pueden decir sin resultar tautológico. Niño prodigio del instrumento a los seis años, tiene una veintena de discos solistas (a cada cual más hermoso), y otros tantos acompañando a músicos variados o compartiendo el liderazgo. Para los amantes del cine, se trata del autor de las bandas sonoras de unas cuantas películas, entre ellas las conmovedoras "Millon Dollar Hotel", de Wim Wenders, y "Medianoche en el jardín del Bien y del Mal", de Clint Eastwood. El disco que editaron con Guiliana se enmarca en esta calidad compositiva e interpretativa, con algunos temas, como Hungry Ghost y Just Call Me Nige, que son de antología. En síntesis, dos muy buenos CDs para tener en cuenta entre las novedades en materia de jazz.

(Publicado en el diario La Razón, de Buenos Aires)

Esas escritoras dadas a viajar

EDITH WARTHON

Por Humberto Acciarressi

Desde Homero a Jean-Marie Le Clézio, atravesando, naturalmente, el largo listado de cronistas de Indias y aventureros de toda laya, la literatura ha sido generosa en el recuerdo de los hombres entregados a los viajes y a su transmutación en letras de molde. Por motivos que exceden estas líneas apuradas y que están más emparentados con la sociología, esa generosidad editorial no se ha extendido con el mismo entusiasmo, por los quehaceres de las mujeres dadas a escribir y a viajar. Una lejana amiga, vía Twitter, lanzó esta inquietud al microblogging. Sólo por una cuestión de espacio habrá que dejar de lado a esas damas cuyos libros fueron redactados para reflejar sus actividades en determinados campos científicos, si bien en un trabajo exhaustivo deberían incluirse. Por ejemplo Cheryl Knott, exploradora de Borneo y sus gorilas; o Aurora Conessa, que cruzó el Atlántico en solitario y por el mar; o la fotógrafa Amy Montalvo; o Alison Hargreaves, la primera en escalar el Everest sin máscara de oxígeno. Son centenares.

Ante este impedimento vamos estrictamente a las escritoras, técnicamente hablando. Y resulta obvio que la lista también tendrá sus huecos. Edith Wharton -cuya obra más conocida, ganadora de un Pulitzer, fue "La edad de la inocencia", que inspiró la película homónima- fue una viajera empedernida que llevó sus andanzas a sus libros, pero lamentablemente estos no tuvieron la fama de los otros. Fiel representante del mundo de los flaneurs de fines del siglo XIX, Wharton publicó, por lo menos, "Italian Villas and their Gardens", "Italian Backgrounds", "A Mothor-Flight through France" y varios otros, hasta el último, "In Morocco", de 1920. La escritora danesa Isak Dinesen (nacida Karen Bixen) -autora de "Siete cuentos góticos", "Cuentos de invierno" y una serie casi interminable de inquietantes relatos- fue además una viajera incansable que dejó testimonio de sus peripecias en sendos libros. Dos de ellos fueron "Memorias de Africa" y "Cartas desde Africa", el primero de las cuales inspiró la película de Sydney Pollack "Africa mía", con Robert Redford y Meryl Streep.

Otra de las escritoras y periodistas cuya obra refleja el placer de los viajes es Emily Hahn, que debutó en la literatura, en 1930, con un libro rarísimo titulado "Seductio ad absurdum. Los principios y prácticas de seducción. Un manual para principiantes". Escribió unos 60 volúmenes de relatos, novelas y, naturalmente, de viajes. El más famoso de ellos fue "China to me", como uno de los tantos que le dedicó al continente asiático. A George Sand (Amandine Aurora Lucile Dupin) obviamente no hay que presentarla. Huelga, incluso, aclarar que es autora de un centenar de obras de todo tipo. Sin embargo, amante de los viajes, "Un invierno en Mallorca" -donde relata su convivencia con Chopin, entre otras cosas- es imprescindible para tener la visión femenina de quien, curiosamente, había adoptado un nombre masculino para ser publicada.

Las argentinas Juan Manuela Gorriti, Silvina Bullrich y - cómo olvidarla- Victoria Ocampo, fueron tres de las que dejaron estupendamente retratadas otras culturas, otras tierras y otros mares en sus escritos varios. La chilena Gabriela Mistral -inexplicable premio Nobel, con perdón de Chile- dejó también interesantes libros de viajes por América latina. Y al pasar, ya que el espacio no lo permite y sus famas exceden lo que podamos decir acá, no hay que olvidar los bellos libros, sean de viajes o de relatos basados en ellos, de Katherine Mansfield ( "En una pensión alemana", "El viaje", etc) y de Virginia Woolf ("Viajes con Virginia Woolf", entre otras crónicas publicadas en diarios y revistas y compiladas en diversas antologías). Otra gran escritora viajera fue Marguerite Yourcenar, quien legó una interesante cosmovisión expresada en una frase: "Todo momento es el último porque es único. Para el viajero, esa percepción se agudiza dada la ausencia de rutinas que tranquilizan engañosamente, propias del sedentario, que nos hacen creer que la existencia va a seguir siendo como es por algún tiempo". Y en otra columna seguiremos ampliando este listado, injustamente mínimo.

(Publicado en el diario La Razón, de Buenos Aires)

ISAK DINESEN (KAREN BIXEN)

EMILY HAHN

En algunos países, los Derechos Humanos...

Gato con galera

Crash, Boston, 1927

King Pelican

The Spider, 1940

Ya se viene la fiesta argentina de tatuajes

Por Humberto Acciarressi

Hace unos días, Mandinga Tattoo emitió su primer programa oficial de tatuajes, pionero de la televisión argentina, por la señal El Garage TV. Eso marcó un gran paso para este emprendimiento que ya tiene dos décadas de vida en la ciudad de Buenos Aires y en el resto del país con sus actividades. Mientras tanto, sus autoridades han informado la realización, el 7, 8 y 9 de marzo en el Hotel Bauen (Callao 360, Congreso), del 10mo Tattoo Show, considerado la mejor convención de tatuajes de Latinoamérica y con gran repercusión en el resto del mundo. Para mantenerse en esa línea de seguir avanzando, no sólo se repetirá el exitoso concurso que culmina en la elección de Miss Tattoo, sino que se han mejorado los ya tradicionales de tatuajes, desfiles e indumentarias. 

El Mandinga Tattoo, asimismo, aprovecha estos multitudinarios encuentros para sus seminarios de tatuajes, piercing, máquinas de tatuar, y eso sin contar con las actividades solidarias que lleva adelante. Este año se recibirán alimentos no perecederos, ropa, calzados, útiles y demás objetos necesarios para los chicos que concurren a las escuelas rurales y de frontera que apadrina la entidad. En lo que respecta a las clases, habrá algunas muy esperadas por los fanáticos del tattoo. Entre ellas, la de tatuajes con Ezequiel Nuñez (España), de dragones con Federico Ferrini (USA), y la de calibración de máquinas a cargo de Guillermo Gabriel Caldentey, Art Fusión con Henry Anglas y Javier Obregón. 

Claro que, como sabés, en la fiesta más popular del tatuaje del país nunca falta la música. Así, en esta décima edición habrá veinte bandas -entre ellas D-Mente, Plan 4, Cabezones, Los Postizos del Pelado, Carnero, etc- poniendo su zumbido eléctric, mientras en los más de cincuenta stands, los tatuadores nacionales y extranjeros se dejan llevar por su arte. Hay que recordar que hace unos pocos meses se llevó a cabo el 7mo Mandinga Tattoo Fest, en el que se dio a conocer el documental Mandinga Tour II, sobre las andanzas de un grupo de tatuadores que recorren el país ayudando en escuelas de frontera. Los fanáticos del tatuaje ya están avisados. Y la fiesta nacional de la actividad ya la tenemos casi encima. 

(Publicado en el diario La Razón, de Buenos Aires)

Tutankamón, una momia mediática

Por Humberto Acciarressi

En estos días se cumplió un nuevo aniversario de la apertura del sarcófago que, en el Valle de los Reyes de Egipto, contenía los restos del faraón más famoso de la historia moderna, Tutankamón. Fue, y es considerado aún en la actualidad, el suceso más trascendente de la egiptología, aunque por razones que nada tienen que ver con la importancia que el finado tuvo en vida. La historia del descubridor, el arqueólogo Howard Carter, de su patrocinador, Lord Carnavon, y de las presuntas maldiciones de la momia, alimentaron la literatura y el cine desde noviembre de 1922, cuando fue encontrado el mausoleo en Luxor, y febrero de 1923, cuando fue abierto el ataúd de oro y sacados los restos embalsamados del rey.

Después de siglos transcurridos y generaciones de saqueadores de tumbas haciendo de las suyas, era la primera vez que se hallaba una cámara mortuoria en el mismo estado en el que estaba cuando Tutankamón pasó a mejor vida en el año 1327 antes de Cristo. Fue precisamente esto lo que le dio fama internacional al descubrimiento y que hizo que la máscara de oro del faraón se convirtiera en la más popular de todos los tiempos. Reyes egipcios con más notoriedad y legado, saqueadas sus tumbas por los ladrones, eran apenas conocidos por los especialistas. Y si Tutankamón se encontró intacto se debió, fundamentalmente, a que fue tan intrascendente en vida, que hasta su tumba pasó inadvertida para los saqueadores.

Muerto entre los 17 y los 19 años, con un reinado efímero que comenzó a los 8 o 9, casi no existían vestigios de su nombre. Apenas una mención a la segunda potencia, o en rigor una leyenda en arenisca en la que se lee "hijo corporal del rey, su amado Tutankamón", aunque sin aclarar quién es el monarca..Académicamente se lo cree nacido de la misteriosa Kiya (una de las pocas mujeres del antiguo Egipto que son mencionadas en los jeroglíficos). Otros dicen que ésta fue su abuela. Varios nombres se postulan para la paternidad. 

Lo cierto es que de él se sabe muy poco, salvo lo que canta su ADN. Por ejemplo, que padecía dolores de huesos y por eso fue enterrado con 103 bastones y un sinnúmero de medicinas. Y a pesar de todo esto, este faraón ultrafamoso, del que se habló más que de ninguno y que llegó al cine, en vida fue casi un Don Nadie. Como los modernos y televisivos mediáticos. Todos hablan de ellos y no hicieron nada, salvo poner la cara. Y en el caso de Tutankamón, la máscara.

(Publicado en el diario La Razón, de Buenos Aires)

Música en las escuelas según Plácido Domingo

Por Humberto Acciarressi

En líneas generales, cualquiera opina sobre cualquier cosa. De hecho, el nuevo mundo del espectáculo consiste más o menos en eso, con panelistas que parecen arrancados de un zoológico. En ese contexto para nada alentador, cuando alguien que sabe da a conocer sus puntos de vista, es gratamente bienvenido. Eso es lo que acaba de hacer Plácido Domingo durante una clase magistral ofrecida en Miami a jóvenes promesas vinculadas a diferentes manifestaciones estéticas, ya que el tenor -como buen artista- no se limita a la música. Como para que se tome nota en la Argentina -donde hasta los consagrados son maltratados cuando integran elencos estables de los grandes teatros- el español consideró que todas las escuelas deberían incluir una asignatura obligatoria de música. Nada más ni nada menos. Y es claro que no se refiere a chapucerías.

"Ojalá la educación pudiera preparar a todo el mundo a que entendiera la música mucho mejor. La gente debería aprender la música desde el colegio, porque eso supondría darle una posibilidad para que el día de mañana esté preparada" , afirmó Domingo. De esta forma, manifestó el tenor, se podrían difundir "los temas de las sinfonías, los principales romances de las óperas, los intermedios, la 'Marcha triunfal' de Aida, 'La Bacanal de Sansón y Dalila'" y otros clásicos "extraordinarios". Y para demostrar que lo suyo no se queda en palabras, expresó estar disponible para contribuir a que las nuevas generaciones aprendan la historia de la música clásica con innovadores programas educativos. "Estoy dispuesto a ayudar, y hay gente brillantísima para enseñarles a los niños. Sería una maravilla", manifestó el artista.

El actual director general de la Ópera de Los Ángeles añadió que si se pusiera en marcha esta idea en las escuelas, en un futuro cercano aumentaría el público que va a la ópera, especialmente entre los más jóvenes. "Habrá quién no se interese en su vida, pero habrá otros que sí les interese, que se vuelvan fanáticos y que, algún día, quizás se conviertan en cantantes", redondeó. Plácido Domingo colabora de manera activa con la National YoungArts Foundation, entidad que además cuenta con maestros de la talla del bailarín, coreógrafo y actor Mikhail Baryshnikov, el productor musical Quincy Jones y el director de cine Martin Scorsese. Desde hace más de 20 años, el cantante español ha estado ligado a los jóvenes a través de varias iniciativas culturales, entre ellas el concurso "Operalia" destinado a talentos de la lírica, para dar voz a las más recientes generaciones. Entre tantas malas noticias, estas alientan a seguir creyendo en las bondades de la civilización.

(Publicado en el diario La Razón, de Buenos Aires)

En EE.UU. , las armas las cargan los chicos

Ocho Corvette bajo tierra

A los coches del Museo Nacional de Corvette en Kentucky, Estados Unidos, se los tragó la tierra al abrirse un gigantesco cráter. En el mismo desaparecieron ocho de los más de 30 autos Corvette únicos que había en el recinto. El boquete, de cerca de 12 metros de largo y de 7 a 9 metros de profundidad, apareció bajo el domo del local principal, dijo su director ejecutivo, Wendell Strode. Seis de los autos eran propiedad del museo, y otros dos eran prestados por la General Motors. Entre los coches de colección dañados se encuentra un Corvette de 1962, el Corvette número un millón, de 1992, y un modelo construido en 1993 para celebrar el aniversario de la marca.

Instantánea, por Goran Tomasevic

Instantánea tomada por el fotógrafo serbio de la agencia Reuters, Goran Tomasevic, que ganó el primer premio en la categoría de Noticias de Actualidad de la del World Press Photo 2014.

Refugiados en Bulgaria, por Alessandro Penso

Imagen tomada por el fotógrafo italiano Alessandro Penso, de Onoffpicture, también acreedora de un primer premio en edición 2014 del World Press Photo. La foto muestra un centro de refugiados inaugurado en septiembre de 2013 en una escuela abandonada en Sofía, Bulgaria. El mismo proporciona alojamiento a unos 800 refugiados sirios, entre ellos 390 niños.

Nadja Casadei por Peter Holgersson

Otra perla dramática del World Press Photo 2014. La atleta sueca Nadja Casadei posa para Peter Holgersson antes de someterse a una nueva sesión de quimioterapia. Casadei espera participar en los Juegos de Río de Janeiro.

En fila por Mandela, por Markus Schreiber

Una sudafricana hace la fila para poder ver los restos mortales del expresidente Nelson Mandela. La conmovedora foto fue tomada por Markus Schreiber, de AP, quien aprovechó mientras la mujer esperaba en la cola, para tomar el gesto irrepetible. También fue premiada en el World Press Photo 2014.

Atentado en Nairobi, por Tyler Hicks

Otra de las fotos premiadas en el World Press Photo 2014 fue la tomada por Tyler Hicks para The New York Times. En ella se ve a una madre y sus dos hijos que se esconden de los terroristas durante el atentado contra un centro comercial de Nairobi, Kenia, perpetrado en septiembre de 2013.

Procesión religiosa, por Phillipe Lopez

Los sobrevivientes de Tifón Haiyan marchan durante una procesión religiosa en Tolosa, en la isla oriental de Leyte. La imagen, que también se acreditó un premio en el World Press Photo 2014, fue tomada por el francés Phillipe Lopez, de la agencia AFP.

Funeral guerrillero, por Julius Schrank

Combatientes del Ejército Independiente de Kachin beben y cantan en el funeral de uno de sus comandantes mientras son retratados por Julius Schrank para De Volkskrant. Fue otra de las fotos premiadas en la edición 2014 del World Press Photo. La ciudad está sitiada por el ejército birmano.

John Stanmayer ganó el World Press Photo 2014

El fotógrafo estadounidense John Stanmayer ganó el World Press Photo 2014, la máxima distinción del fotoperiodismo mundial, con “Señal”. La imagen capturó el momento en el que un grupo de inmigrantes africanos busca cobertura para sus teléfonos móviles en la orilla de Yibuti. De pie, enfrentados al mar e iluminados por la luz de la mano, tratan de encontrar una señal de teléfono más barato en la vecina Somalia, con la esperanza de establecer una breve y frágil comunicación con sus familiares.

Niebla en Dubai

Norah Jones y Billie Joe, juntos por "Foreverly"

Por Humberto Acciarressi

Aunque nacida en Nueva York, hija del célebre sitarista Ravi Shankar y hermana de Anoushka Shankar, Norah Jones pasó su infancia y su adolescencia en Texas, donde se interesó por el jazz, el blues y el gospel. Cuando volvió a la Gran Manzana a los veinte años, ya tenía esa data metida en el alma y en la voz. Billie Joe Armstrong, por su lado, nació en Berkeley, pero la vida y las desgracias - hijo de una camarera y un camionero, baterista de jazz en sus ratos libres, muerto cuando el futuro integrante de Green Day apenas tenía cinco años- también lo llevaron a interesarse en el blues. A pesar de eso, con la adolescencia le llegaron el heavy metal y el hard rock, y uniendo esas experiencias arribó más tarde al pop punk.

Entre 1957 y 1961, salidos de Iowa, The Everly Brothers tuvieron un momento de gran esplendor. Aunque la fama de los dos hermanos Don y Phil Everly fue contundente y dejó influencias que agradecieron públicamente músicos como los Beatles, Simon and Garfunkel, Mark Knopfler o The Hollies, por mencionar apenas a algunos, ellos siguieron tocando casi una década más, perdidos en la intrascendencia. En los primeros tiempos de este grupo de country y folk, los hermanos resolvieron dedicarle un homenaje a los temas que les cantaba el padre y que recreaban el pasado de Tennessee, que titularon "Songs our daddy taught us" y cuyo track listing constaba de doce canciones. Con ese disco, casi de casualidad, se topó hace un par de años Billie Joe, quien quedó impactado con ese repertorio que habla de la muerte, la cárcel y los amores contrariados.

Armstrong, en un paréntesis de sus trabajos habituales, le comentó a su esposa Adrienne que le gustaría grabar nuevamente ese viejo LP de los Everly Brothers. Y ella le recomendó que fuera a buscarla a Norah Jones, quien aceptó. Ella, en "Foreverly", la placa que ambos grabaron en apenas nueve días, hace las partes de Phil, el más joven de los hermanos, muerto hace apenas un mes a los 74 años. Billie Joe y Norah, acompañados por Tim Luntzel en el bajo, Dan Rieser en la batería, Jonny Lam en la guitarra pedal-steel y Charlie Bumham en el violín, la mandolina y la armónica, lograron -con su propio estilo -un disco realmente brillante. En el mismo, naturalmente, interpretan los doce temas del original, con una tensión que no tenía el de los Everly. La crítica internacional lo está recibiendo con entusiasmo, lo que llevó a Armstrong y Jones a aclarar que aunque no descartan proyectos compartidos, por ahora ni siquiera harán presentaciones de promoción. Pase lo que pase está "Foreverly", lo que no es poco.

(Publicado en el diario La Razón, de Buenos Aires)